En la post-guerra en Japón, cuando el país habia emergido como mayor potencia en el ámbito industrial, el diseño grafico se fue envuelta en mayor manera a la profesión de servir a las necesidades de industrias e instituciones culturales.
El Diseño Constructivista Europeo y Occidental tuvo una importante influencia en el diseño Japonés, pero estas lecciones fueron asimiladas con la teoría del arte tradicional Japonés. Por ejemplo, la tradición de la cresta familiar inspiró a muchos diseñadores Japoneses, y conformó así su forma de diseño tan característico. Del mismo modo, composición simétrica, el colocamiento central de formas icónicas, y paletas de colores en armonía, y artesanía meticulosa –muchas características son del arte Japonés- fueron elementos usuales en las gráficas Japonesas.
La primera generación de diseñadores gráficos que emergió después de la guerra fue liderada por Kamekura Yusaku, cuya importancia a la emergente comunidad de diseño gráfico le dio el seudónimo de “Jefe”. El póster propositivo de Kamekura en 1967 para la Expo Mundial de Japón ’70 en Osaka, por ejemplo, se puede visualizar su habilidad de combinar los experimentos ceremoniosos del siglo XX Modernista con el tradicional sentido de armonía Japonés.
En contraparte de las tendencias formales encontradas en muchos de los diseños gráficos Japonés, algunos diseñadores Nipones se sintieron atraídos por otras fuentes de inspiración para acercarse a otros problemas de comunicación-visual. Iconografía de diversos medios de comunicación masiva-incluyendo comics (manga), películas populares de ciencia ficción, y fotografías de periódicos- proporcionó un rico vocabulario para Yokoo Tadanori, quien comenzó su trabajo en los años 60s inspiró a una nueva generación de diseñadores gráficos de Japón. En sus primeros carteles y portadas de revistas utilizó una gran variedad de técnicas contemporáneas; por ejemplo, utilizó líneas sólidas en sus dibujos para contener pantallas de color fotomecánicas. Trabajó en un idioma Pop-art, pero al mismo tiempo veneraba las imágenes Japonesas como una fuente de material, más que la imagen c
ontemporánea, generalmente encontrada el arte Pop.En su póster publicitario para las producciones del teatro de muñecas Noh (1969), por ejemplo, colocó imágenes icónicas en un campo de oro-y-azul luminoso, combinando imágenes tradicionales con un caprichoso sentido contemporáneo.
Con el paso del tiempo, los efectos de montaje se volvieron muy importantes para Yokoo y para sus diseños de fotografía y elementos gráficos llenados con luminosidades dramáticas.
Una muy distinta visión emergió del trabajo de Sato Koichi, quien de los años 70 creo otro mundo y afirmación de diseño metafísico. Utilizó mezclas de colores con un suave brillo, bastos colores y modulo la caligrafía, y estilizó las ilustraciones para crear una visión poética que llevaba desde quietud completa a una celebración exuberante. Por ejemplo, en su cartel (1988) para una obra musical- la cual fue adaptada de un ritmo de tranquilo a una fiesta- Sato combinó un cielo astronómico con una huella
de mano brillante en un aura de lavanda y azul que evoca un sentimiento de atmósfera efímera en medio del espacio. Esa clase de diseños adquieren un raro nivel de poesía visual.
